Mi ciudad ideal

Quizá debemos esperar siglos para desarrollar una ciudad así o, simplemente, puede que se convierta en una utopía que nunca seremos capaces de lograr. Pienso así, porque además de tener en cuenta el entorno o la gente, englobaría a una sociedad que debe convivir en armonía pues, como decía Aristóteles, el ser humano se define como zoon politikón.

En primer lugar, dado que llevo dieciséis años viviendo en una villa, creo que lo ideal es esa combinación: añadir a una gran ciudad zonas donde conectar con la naturaleza y salir del ambiente urbano.

Estos lugares algo más alejados son mucho menos complejos y, en ocasiones, más útiles. Se trata de montañas donde respirar aire fresco, playas para relajarse, miradores para cambiar de perspectiva o bosques para conocer aquello que nos rodea. Una escapada de la multitud de la ciudad puede servir para conocernos a nosotros mismos y reflexionar acerca de nuestro día a día. En mi opinión, se deberían organizar actividades y encuentros en estos ambientes distanciados de las redes sociales, el ruido, el agobio, etc.

Respecto a la urbe, pienso que debería contar con las edificaciones necesarias para satisfacer las necesidades de la población. Principalmente, debería ser obligatorio establecer un precio máximo a los productos de primera necesidad en los comercios, puesto que son esenciales en la vida de todas las personas. También conceder una vivienda o, al menos, habitación en buenas condiciones a cada familia para tener un lugar donde dormir. Por otra parte, deberían existir centros de educación sin limitaciones como la edad o la condición social ya que nunca es tarde para aprender y todo el mundo debería tener derecho a ello. En esta ciudad, como no, debería haber medios sanitarios gratuitos para atender a aquellos ciudadanos con problemas, tanto físicos como mentales. Esta sociedad necesitaría una protección para garantizar seguridad y detener aquellas acciones perjudiciales para el pueblo. Además, sería indispensable una red de transportes, no solo en el centro sino entre localidades. Esto incluiría autobuses, trenes, un aeropuerto y una controlada circulación de coches para disminuir la contaminación. Esta es una de las medidas que contribuirían, así como el reciclaje o el ahorro de energía. Aparte de las necesidades, el ocio es algo imprescindible en nuestras vidas. Por tanto, sería una gran idea construir espacios como cines, restaurantes, centros comerciales o discotecas. Los ciudadanos deberían tener empleo garantizado, lo que se conseguiría con variedad de establecimientos, empresas y otros negocios en la ciudad. Todo esto lo mencionado anteriormente estaría bajo el control de un equipo de gobierno elegido por la población y modificado cada cierto periodo de tiempo, permitiendo de este modo que diferentes representantes muestren sus propuestas y que los ciudadanos las aprueben o exhiban mejoras.

En síntesis, esta sociedad forma un ciclo continuo con posibilidades de lograr el éxito si todos los ciudadanos aportan una pequeña parte a él. De hecho, creo que ese es el fallo por el cual las ciudades invisibles no son reales, el desentendimiento de los habitantes.

Mi ciudad ideal

   MI CIUDAD IDEAL

Para mí, la ciudad ideal sería aquella en la que el dinero no existiese y todos  los problemas económicos y sociales desaparecieran. Aquella en la que todas las personas y animales gozaran de todos los derechos sociales que necesitan.

En mi ciudad desearía que hubiera tantas cosas… Pero no cuales quiera, sino lo fundamental, sin excederse a los grandes lujos. En primer lugar, el cuidado del medio ambiente, que las calles permanecieran siempre limpias, ya que los residuos que depositamos al suelo van conducidos  a todas partes y llegan  a causar la muerte en varios seres vivos. Destacaría también que hubiera todo tipo de tiendas en la que todos los ciudadanos pudiéramos coger lo apropiado, sin excederse, pero sin la preocupación de tener que pagar. También que en ella no existieran las desigualdades sociales entre hombre y mujeres, el racismo… Por otro lado me encantaría que todas las personas sin hogar, sin comida, sin una sanidad pudieran beneficiarse de ello, ya que son los mínimos recursos que necesitamos, como había dicho antes. Y por supuesto, una ciudad en la que todos nos preocupáramos por el bien de todos, esa sería la clave para crearla ideal.

En conclusión, para crear una sociedad perfecta, a pesar de todos los elementos que he nombrado, creo que bastaría con que pudiéramos ejercer una vida sencilla, sin problemas y ayudándonos mutuamente para que todo saliera bien, aunque decir “bastaría” no sería la palabra adecuada ya que no todos los ciudadanos iban a sentirse satisfechos con la población que yo anhelo.

Relación de la Literatura Medieval con otras manifestaciones artísticas actuales

Mi comparación de una obra artística de la actualidad con una obra de la Edad Media se basa en dos formas de arte distintas: la música y la pintura. Para ello me he basado en la leyenda de Tristán e Isolda.

La leyenda de Tristán e Isolda cuenta la historia de dos jóvenes llamados Tristán e Isolda. Ambos jóvenes se conocen debido a que Tristán estaba herido e Isolda es la encargada de curarle. Después de este hecho ambos quedan totalmente prendidos. Sin embargo, el matrimonio arreglado entre Isolda y el tío de Tristán (el rey de Inglaterra) hace que tengan una relación a escondidas de todos. Finalmente, ambos son matados por el tío de Tristán.

La ópera de Tristán e Isolda esta compuesta de tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, basado en gran medida en el romance de Godofredo de Estrasburgo. Además, de basarse en el amor que sentía por Mathilde Wesendonck. Fue compuesta entre 1857 y 1859 y se estrenó en Múnich el 10 de junio de 1865, siendo dirigida por primera vez por Hans von Bülow.

Finalmente, Dalí,  pintó a principios de la década de los cuarenta un enorme telón de 15 metros de largo y 9 de ancho para el ballet Tristan Fou, basado en el cuento clásico Tristán e Isolda. El pintor catalán, ferviente admirador de Wagner, se inspiró sobre todo en el dramatismo de la versión operística del compositor alemán. Aunque también le dio al  retrato un aire surrealista y tenebroso. La cabeza de Isolda aparece cubierta por una especie de vendas, a la manera de los amantes de Magritte, algo que alimenta el carácter 

inquietante de la enorme pintura.

RELACION DE LA LITERATURA MEDIEVAL CON OTRAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS
                                      “EL REY ARTURO Y LAS REINAS LLORONAS”

King arthur and the weeping queens fue creado por Dante Gabriel Rossetti entre 1856 y 1857 y esta expuesto en Birmingham City Museum en Inglaterra.

Esta ilustración fue elaborada a partir de los poemas de tennyson, publicada en 1857. Aquí se pueden apreciar los versos de Tennyson en el “Palacio del Arte” que hablan sobre la muerte de Arturo siendo presenciada por reinas sollozantes, por eso cada una de las diez reinas en esta pintura tiene una corona de distinto diseño.

La ilustración se refiere a las siguientes líneas, que describen una de las muchas obras de arte en el poema: no es difícil ver por qué este aspecto en particular atrajo a Rossetti:

“O el hijo herido del mítico Uther.

En algún espacio justo de verdes en pendiente.

Lay, dormitando en el valle de avalon,

Y verás llorar a las reinas.”

El cuadro describe el momento en el que Arturo yace moribundo y 10 reinas le lloran tras haberle  llevado en bote a Avalon, donde el podria revivir.

He relacionado este cuadro con la literatura medieval porque fue escrito en Europa entre 1000 años despues de la caída del imperio romano y principios del renacentismo, siglo XVl y esta compuesto principalmente por escritos religiosos.

Relación de la Literatura Medieval con otras manifestaciones artísticas actuales

María de Francia,  Madreselva

Me agrada mucho, y bien lo quiero, contarles la verdadera historia del lai que llaman Madreselva, por qué fue hecho, cómo y dónde. Muchos me lo han contado y yo lo encontré escrito en un libro sobre Tristán y la reina, sobre su amor que fue tan perfecto, por el que sufrieron tanto dolor y murieron luego en un mismo día.

El rey Marc estaba encolerizado, enfurecido con su sobrino Tristán. Lo echó de su tierra a causa del amor que sentía por la reina. Tristán regresó a su país, el sur de Gales, donde había nacido. Un año entero permaneció allí sin poder volver. Se abandonó a los peores peligros y a la muerte. No se asombren pues aquel que ama lealmente se entrega a la tristeza y al dolor cuando no puede obtener lo que desea.

Tristán estaba abatido y pensativo; por esto salió de su tierra y se fue derecho a Cornualles donde permanecía la reina. Se escondió solo en el bosque, no deseaba ser visto. De allí salía al final de la tarde, al momento de buscar un resguardo y pasaba la noche con los campesinos, con la gente pobre, preguntándoles sobre el rey, lo que sucedía con él; éstos le contaron que, según lo que escucharon, los barones fueron convocados por un bando real para que se dirigieran a Tintagel donde el rey quería tener sus cortes. Todos estarán allí para Pentecostés, habrá mucha alegría y regocijo, la reina acompañará al rey.

Al escuchar estas noticias Tristán se alegró mucho: la reina no podría dirigirse allí sin que él la viera pasar. El día en que el rey se puso en marcha, Tristán regresó al bosque, al camino por donde él sabía que el cortejo debía pasar. Cortó por la mitad una rama de avellano y la talló de forma cuadrada; cuando el palo  estuvo listo, con su cuchillo escribió su nombre. Si la reina se da cuenta ella estaba siempre atenta a estas señales pues ya antes las había visto, reconocerá fácilmente el palo de su amigo cuando lo vea. La esencia del mensaje de Tristán era el siguiente: que desde hacía mucho tiempo él estaba en ese lugar, esperando, espiando y buscando una ocasión para poder verla, pues no podía vivir sin ella. A ellos dos les sucedía como a la madreselva que se une al avellano: una vez que se ha prendido y adherido, y que se ha enredado alrededor del tronco, pueden vivir juntos mucho tiempo, pero si se les quiere separar, el avellano muere rápidamente y la madreselva también: “Bella amiga, así nos sucede: ni tu sin mí, ni yo sin ti.”

La reina iba cabalgando, miró el camino inclinado, vio el palo y lo reconoció, comprendió todas las letras. Ordenó a los caballeros que iban con ella escoltándola que se detuvieran: quería bajarse del caballo y descansar. Ellos obedecieron sus órdenes.

Ella se aleja de sus gentes, llama a su lado a su doncella, Brangien, que le era muy fiel. Se alejó un poco del camino y encontró en el bosque a aquel que amaba más que a nada en el mundo. Los dos sienten una alegría muy grande. El le habló todo lo que quiso y ella le dijo el placer que sentía al verlo. Luego ella le mostró cómo reconciliarse con el rey, y le dijo que mucho le había pesado que así lo desterrara; lo había hecho a causa de una acusación.

Entonces ella se va y deja a su amigo; pero en el momento de la separación comenzaron juntos a llorar. Tristán regresó a Gales hasta que su tío mandó por él.

Por la alegría que él tuvo al ver a su amiga y por lo que él había escrito, tal como lo leyó la reina, para recordar estas palabras, Tristán, que bien sabía tocar el arpa, compuso un nuevo lai; lo nombraré con brevedad: Gotelef lo llaman los ingleses, Madreselva  lo llaman los franceses. Les he dicho la verdad del lai que les he contado aquí.

(Traducción de Mario Martín Botero García, de la revista Dialnet)

(Tristán e Isolda, Rogelio de Egusquiza, 1896)

Rogelio de Egusquiza y Barrena fue un artista español, que vivió durante la segunda mitad del siglo XIX y la primera del XX. Es más conocido por la amistad que mantuvo con el compositor alemán Richard Wagner que por la calidad de su obra. Esta relación marcó decisivamente su estilo, haciendo que desarrollase este trabajo, entre otros, ya que al músico le gustaba la leyenda de los dos amantes, como puede apreciarse en una de sus óperas (Tristan und Isolde).

Desde mi punto de vista, Tristán e Isolda  ilustra perfectamente el lai Madreselva, de María de Francia, ya que transmite la sensación de unión entre los dos enamorados. Dicho vínculo es más metafórico que físico, puesto que pasan la mayor parte del tiempo separados. 

Por otra parte, puede verse reflejada la simbología del título Madreselva en el propio cuadro, siendo los amantes los árboles y sus brazos, las ramas enredadas, como bien aclara María: A ellos dos les sucedía como a la madreselva que se une al avellano: una vez que se ha prendido y adherido, y que se ha enredado alrededor del tronco, pueden vivir juntos mucho tiempo, pero si se les quiere separar, el avellano muere rápidamente y la madreselva también.

María de Francia

La diferencia que podría establecerse es que el poema narra un episodio concreto: el reencuentro de Tristán e Isolda cuando él regresa a Cornualles y, aunque bien podría tratarse de ese momento, para mí  el grabado tiene un carácter más genérico. Elegí este lai con la intención de ceñirme a un texto y no a teorías o elucubraciones; sin embargo, esta obra es capaz de transmitir la esencia, a mi parecer, de la leyenda completa.

Finalmente, me gustaría destacar la técnica del grabado, que, a priori, puede asemejarse a un cuadro, ya que es uno de los motivos que me hizo decantarme por la obra. El aguafuerte es, aparte de un compuesto químico, una técnica de estampación realizada a partir de una plancha de metal. Para conseguir el dibujo es necesario cubrir dicha plancha con una capa de cera y hacer los surcos convenientes con un punzón. Finalmente, se sumerge el material en aguafuerte (agua y ácido nítrico) y, al disolverse la cera, queda impreso el dibujo en el metal. No obstante, lo relevante de esto es la sensación que me produce al observar la obra. Al no haber colores, la atención se centra exclusivamente en los amantes, lo que podría ser un buen símbolo de lo que predica la leyenda: el amor pese a todo, el amor como centro, como elemento más importante frente a la razón. 

Relación de la Literatura Medieval con otras manifestaciones artísticas actuales

    

     Antes de hacer la comparación de Flamenca con El mal querer, de Rosalía, es necesario hacer una pequeña introducción de la novela medieval con sus características principales y sinopsis. 

     

     Flamenca o El roman de Flamenca es una novela anónima, escrita  entre 1240 y 1270 en Roergue, más concretamente en la corte de los señores Roquefeuil, y se considera un prototipo de novela de amor cortés. La novela fue redescubierta en el siglo XIX, cuando se le empezó a dar más importancia. El autor debió ser un trovador o un clérigo. A veces se le atribuye a Arnaud de Carcassés. La obra está escrita en rouergat, un antiguo dialecto occitano, con sustrato del auvernés, otro dialecto que sigue existiendo. De Flamenca solo se conserva un manuscrito, en el que falta el comienzo, parte de la trama y del desenlace. El original se guarda en la biblioteca pública de Carcasona.

     La acción del Roman de Flamenca se desarrolla entorno a tres personajes principales: un matrimonio y un amante de la esposa. El marido es Archambaut, la mujer es Flamenca y su amante es el joven Guillaume. La trama, o mejor dicho, lo que nos queda de ella, comienza con la boda de Archambaut y Flamenca, y que tiene todo lo necesario para que sea un éxito. De todas formas, el marido, movido por los celos, hace todo lo posible por aislar a Flamenca y mantenerla alejada de cualquiera deseo. En el marido se ve perfectamente el gilós (o celoso) típico del amor cortés. Por otro lado, el joven Guillaume, al enterarse de la existencia de la Señora Flamenca, concibe un amor totalmente idealizado de ella e intenta alcanzarla, otro rasgo característico del amor cortés.

     El mal querer, álbum de la cantante Rosalía, fue ganador de dos Grammy, y tiene como principal fuente de inspiración esta novela medieval occitana. En ambas se cuenta la evolución y el cambio del sentimiento amoroso, desde la pasión de las bodas hasta la decepción, la caída, pasando por los celos. Flamenca es una novela subversiva por el tratamiento que se le da a la mujer en igualdad de condiciones y deseos, como inteligencia o amor. Hay que tener en cuenta que es una novela cortesana del siglo XIII. 

     El hilo conductor de las dos obras es el mismo: la denuncia y crítica de cómo se puede ir apagando la llama del amor en una pareja, mientras la mujer sufre las consecuencias de ese amor mal llevado, a veces causado por los celos. Como la misma cantante afirma “El mal querer gira entorno a esa historia de amor oscuro, de un amor con aristas”. Define a su álbum como un proyecto en el que investiga si hemos cambiado a lo largo de estos siglos en la forma de amar y de relacionarnos, o si hemos aprendido o no acerca del amor.

     Ella misma confiesa que el principio de Flamenca (cuando se casa con un hombre y éste le empieza a presionar por celos), le sirvió para escribir los capítulos que ahora veremos. Precisamente es en la estructura en lo que más se parecen las dos obras. Sí es verdad que desde el momento en que comienzan los celos del marido, la novela ya va hacia otro lugar, pero fue ese conflicto inicial en el que se basó para darle al disco el arco narrativo que tiene, para que no fuese simplemente “una colección de canciones”.

El género principal de sus canciones es el flamenco. No obstante, la artista catalana ha sido bastante criticada por los más puristas, ya que no consideran que su música sea flamenco. Otros, sin embargo, admiran su capacidad de popularizar o llevar a distintos grupos urbanos este género. Además, es interesante que ella es su propia productora y que este álbum es su trabajo final de carrera. Desde el momento en que decidió desarrollar su proyecto como un show con marco flamenco, pero distinto a las actuaciones tradicionales, empezó a experimentar con un montón de géneros como el trap, la electrónica, la música africana, el canto gregoriano… 

     Esta mezcolanza de técnicas y géneros musicales acabó en un éxito total, ganador de dos premios Grammy. Todo el mundo ha escuchado alguna vez canciones como Malamente o Pienso en tu mirá. 

     Capítulos de El mal querer:

1. Augurio
2. Boda
3. Celos
4. Disputa
5. Lamento
6. Clausura
7. Liturgia
8. Éxtasis
9. Concepción

Malamente (Cap. 1: Augurio):

Pienso en tu mirá (Cap. 3: Celos):

Relación de la Literatura Medieval con otras manifestaciones artísticas actuales

 "LA DAMA DE SHALOTT"

“La Dama de Shalott” representa los versos del poema que nos encontramos a continuación, escrito en 1833 por Lord Alfreed Tennyson, poeta y dramaturgo inglés, uno de los más ilustres de la literatura universal, perteneciente al posromanticismo, que trata sobre una leyenda artúrica. Dicho poema inspiró también tres obras de John William Waterhouse: “La dama de Shalott” (1888), “La dama de Shalott mirando a Lancelot” (1894) y “Cansada estoy de las sombras” (1915).

Y en la oscura extensión río abajo

-como un audaz vidente en trance,
contemplando su infortunio-
con turbado semblante
miró hacia Camelot.
Y al final del día
la amarra soltó, dejándose llevar;
la corriente lejos arrastró
a la Dama de Shalott.

Yaciendo, vestida con níveas telas
ondeando sueltas a los lados
-cayendo sobre ella las ligeras hojas-
a través de los susurros nocturnos
navegó río abajo hacia Camelot;
y yendo su proa a la deriva
entre campos y colinas de sauces,
oyeron cantar su última canción
a la Dama de Shalott.

Escucharon una tuna lastimera, implorante,
tanto en alta voz como en voz baja,
hasta que su sangre se fue helando lentamente
y sus ojos se oscurecieron por completo,
vueltos hacia las torres de Camelot.
Y es que antes de que fuera llevada por la corriente
hacia la primera casa junto a la orilla,
murió cantando su canción

la Dama de Shalott.''

La dama de Shalott. Lord Alfred Tennyson.

La leyenda de “La Dama de Shalott”, trata de una dama llamada Elaine, que se encuentra encerrada en una torre donde se dedicaba día y noche a tejer un tapiz que representaba el mundo tal y como ella lo veía a través de un espejo, pues le estaba prohibido observar por la ventana por alguna maldición. Un día la dama contemplo al caballero Lancelot en el espejo y se enamoró de él, dejando su tarea, dirigió su mirada hacía Camelot a través de la ventana. Pues eso hizo que el espejo se rompiera y su tapiz salió por los aires. La joven salió de la torre y cogió una barca, en cuya proa escribió su nombre, dispuesta a navegar por el río para llegar al palacio y encontrar a su amado. En el viaje su hermoso canto y su vida se iban extinguiendo, llegando nada más su cadáver al puerto.

He relacionado  “La Dama de Shalott”  con el cuadro pintado en 1888 por John William Waterhouse, artista inglés, nacido en Italia. El pintor tiene la simbología muy presente. Se puede percibir en la pintura que Eleine está rodeada por el bosque y por un paisaje oscuro. Como cuenta en el poema, Eleine escapa de la torre lo cual puede entenderse, en época de Waterhouse, como la huida de la clausura por la que pasaban las mujeres del siglo XVIII-XIX.

La joven se encuentra en el centro del lienzo sobre la barca que utiliza para huir a Camelot. En su rostro se puede percibir dolor, tristeza y miedo. Por otro lado su postura es relajada, puede que Waterhouse la representase cantando su última canción ya que su boca se encuentra entre abierta.

El pintor ha incluido sobre la barca el gran tapiz que la dama había estado tejiendo, donde se pueden ver las diferentes escenas con los Caballeros de la Mesa Redonda como protagonistas. Además en la proa se aprecia un farol, un crucifijo y unas velas como llegada de la muerte.

 

Relación de la Literatura Medieval con otras manifestaciones artísticas actuales

Anónimo, "Saga de Ragnar Calzas Peludas"

Entonces habló el rey Ella: “Este hombre correrá un peligro mayor si no quiere decirnos quién es. Ahora será arrojado a un foso de serpientes y se le hará permanecer allí mucho tiempo, pero si dice algo por lo que podamos entender que es Ragnar, entonces será sacado lo más rápidamente posible.”

Se le acompaña hasta allí y permanece mucho tiempo, pero no se le enroscan las serpientes de ninguna manera.

Entonces dijeron algunos: “Este hombre es muy fuerte. Hoy no lo mordieron las armas y ahora no lo matan las serpientes.”

Después ordenó el rey Ella que se le quitara el vestido con el que se había cubierto. Así se hizo y se le colgaron las serpientes por todas partes.

Luego habló Ragnar: “Los cochinillos gruñirían si supieran lo que murmura el viejo.”

Y aunque así habló, no supieron ellos con seguridad que era Ragnar y no otro rey. Y recitó una estrofa:

“Trabé cincuenta y una batallas

que resultaron famosas,

causé daño

a muchos hombres.

No pensé que las serpientes

provocaran mi muerte,

pero muy a menudo sucede

lo que uno menos se espera.”

Y aún dijo:

“Los cochinillos gruñirían

si supieran la desgracia del jabalí,

me sobreviene un terrible mal,

las serpientes me perforan con sus fauces

y muerden con crueldad,

me han succionado la sangre,

ahora moriré junto a las bestias,

pronto seré un cadáver.”

Entonces muere y es sacado de allí. El rey Ella cree saber que Ragnar ha perdido la vida. Ahora reflexiona sobre cómo ha de precaverse o preocuparse de conservar su propio reino o saber cómo se lo tomarían los hijos de Ragnar cuando lo supieran.

(Anónimo, Fornaldarsögur, s.XV)

"Saga de Ragnar Lodbrok"

La “Saga de Ragnar Calzas Peludas”, quien recibe este nombre por su vestimenta, es una saga legendaria islandesa escrita en torno al 1400 que narra la vida del grandioso vikingo Ragnar Lodbrok, caracterizado por su rebeldía y su ambición, lo que le conduce a numerosas incursiones y conquistas. Aún se conservan 44 manuscritos y varias ediciones. En estos relatos se basa “Vikingos”, una serie canadiense e irlandesa emitida desde 2013 en History Channel. Además de contar con una finalidad de entretenimiento, posee una intención didáctica que muestra la cultura escandinava.

Esta obra comienza con la infancia de Ragnar. Posteriormente, habla de su matrimonio con Thóra, con quien tuvo dos hijos: Eirík y Agnar. Cuando su esposa fallece, Ragnar concede el reino a sus hijos y acude de expedición a Noruega. Allí conoce a Áslaug, oculta tras el nombre de Kráka, su segunda mujer. Esta da a luz a cinco descendientes más: Ívar, Björn, Hvítserk, Rögnvald y Sigurd. Tras un tiempo, todos ellos se convierten en jóvenes guerreros dispuestos a conquistar nuevos territorios. Agnar y Eirík pierden su vida en una batalla. Además, Ragnar comunica a la vuelta de su navegación que Rögnvald está muerto. Los hijos preparan la venganza matando a la vaca sagrada que se encuentra detrás de estos sucesos. Ragnar, celoso de los triunfos de sus hijos, decide embarcar hacia Inglaterra, donde el rey Ella se dispone a luchar para defender su país. El vikingo es apresado y condenado a muerte. Björn y Hvítserk comienzan a preparar sus armas, mientras que Ívar decide tratar con el rey Ella. Esto no era más que un plan para conseguir su reino y después acabar con él. Más tarde, mueren todos los hijos de Ragnar dejando un gran recuerdo.

Por una parte, la serie mantiene cierta fidelidad a las sagas históricamente, debido a que está fundamentada en unos hechos reales; tecnológicamente, pues utiliza herramientas como las espadas o los drakkars; antropológicamente, ya que representa la sociedad vikinga y el individualismo; aparece la importancia de la mujer, dado que estaban presentes incluso en las batallas; la libertad sexual; la religión; y, la cultura, puesto que mantiene los rituales, los mitos, las costumbres y, las viviendas. Las dos versiones se sitúan en la Escandinavia medieval para mostrarnos la vida de Ragnar Lodbrok. Muestran a Áslaug, junto a sus hijos, y su relación con el personaje principal. Ambos incluyen los viajes de los vikingos por los mares para hacerse con nuevas tierras y los combates entre pueblos. Tanto la saga como la serie tratan los temas del poder, la guerra o la lealtad.

Por otro lado, la serie se permite ciertas licencias históricas, como algunos personajes no mencionados en esta saga. Se trata de Rollo, hermano de Ragnar; Lagertha, esposa de Ragnar y madre de Björn; Floki, el constructor de los barcos vikingos; y, Athelstan, un monje que influye notablemente en el pensamiento y en las creencias religiosas del protagonista. No obstante, estos personajes sí que existieron en la realidad pero no guardan relación con esta saga. En un principio, “Vikingos” nos muestra a Ragnar como granjero, en cambio, siempre perteneció a la nobleza. Este nunca asaltó el monasterio de Lindisfarne, puesto que ese fue el hecho que dio inicio a la era vikinga y sucedió previamente. Así mismo, en las sagas no son mencionadas profecías acerca de los personajes, por ejemplo, el nacimiento de Sigurd Ojo de Serpiente o la captura de Ragnar a manos del rey Ella.

En la primera escena, Ívar y Ragnar acuden a Inglaterra para negociar la paz a cambio de territorios. Ívar vuelve a su hogar, mientras que Ragnar se entrega voluntariamente al rey. Posteriormente, es arrojado al foso de las serpientes, donde fallece. Sus hijos vengan su muerte al enterarse de la noticia. En la saga, Ragnar viaja a Inglaterra para conquistar nuevas áreas mediante el uso de la violencia. Este es apresado por el rey Ella, quien lo encierra en el pozo con las serpientes para acabar con su vida.

En la segunda escena, los hijos de Ragnar se enteran de su muerte. Por un lado, Björn y Hvítserk observan unos cuervos en el cielo que simbolizan la muerte. Además, escuchan la voz de su padre pronunciando la frase “Cómo chillarían los cerditos cuando oyeran cómo sufrió el verraco”. Esta se refiere a la ira que desarrollarán sus hijos al enterarse del acontecimiento. Por otra parte, Ívar, Ubbe y Sigurd reciben la visita de un emisario que representa una manifestación de Odín. En la saga, Ragnar enuncia la misma expresión minutos antes de su muerte. Los heraldos comunican la nueva a los hijos e, inmediatamente, preparan enfurecidos su venganza. 

Relación de la Literatura Medieval con otras manifestaciones artísticas

Wolfram von Eschenbach, Parzival, libro V, siglo XIII

Su rostro era tan resplandeciente que a todos les parecía que había amanecido. La reina llevaba sedas de Arabí. Sobre un verde ajmardí[1] portaba la perfección del Paraíso, a la vez su raíz y su brote. Era una cosa que se llamaba el Grial, la mayor gloria del mundo. La que portaba el Grial tenía por nombre Repanse de Schoye. El Grial tenía esta condición: la que lo cuidaba tenía que conservar su pureza y estar libre de maldad. Ante el Grial traían lámparas, que no eran precisamente baratas: seis bellos recipientes de cristal, altos y resplandecientes, en los que ardía bien el bálsamo. Cuando entraron por la puerta, a la debida distancia se inclinaron con buenos modales la reina y las doncellas que llevaban las lámparas de bálsamo. La reina inmaculada depositó el Grial ante el señor del castillo. La historia dice que Parzival miraba fijamente a la dama y pensaba que él llevaba puesta su capa. Las siete se fueron con nobles ademanes junto a las otras dieciocho. Dejaron entonces a la más noble en el medio. Según me han dicho, había doce a cada lado. La doncella, con la corona, resplandecía allí en toda su belleza.

Neuschwanstein, castillo de 1869

El castillo de Neuschwanstein está situado en el estado alemán de Baviera, cerca de la ciudad de Füssen. Lo ordenó construir el rey Luis II de Baviera en 1869. Fue concebido como un escenario teatral habitable, es decir, la idealización de un castillo medieval, con finalidad puramente estética. Situado sobre el desfiladero de Pöllat en los Alpes Bávaros, pretendía armonizarse con las montañas y los lagos circundantes.

Combina eclécticamente varios estilos arquitectónicos y su interior alberga múltiples piezas de artesanía. Los bocetos de Christian Jank, escenógrafo teatral, constituyeron la base para el diseño, de Eduard Riedel y Georg von Dollmann.

La biografía de Luis II, el rey loco, da una idea del significado de la construcción. Nacido en el Palacio de Nymphenburg, en Múnich, el 25 de agosto de 1845, recibió una férrea educación, que pudo condicionar su excéntrico comportamiento. Sucedió a su padre, Maximiliano II de Baviera, a la edad de 18 años, pero el 10 de junio de 1886 un dictamen médico lo declaró incapaz de gobernar. Tres días después moría en extrañas circunstancias junto a su psiquiatra en el lago de Starnberg.

Aunque Baviera era un Estado constitucional, él creía en una monarquía de derecho divino, y por ello construyó su universo paralelo, en el que podía sentirse como un verdadero rey. De esta forma, levantó los castillos de Linderhof, Neuschwanstein y Herrenchiemsee, siguiendo el estilo historicista imperante en la época, que le permitían evadirse de la realidad. Además, organizaba representaciones de teatro y ópera solo para él, e incluso se desplazaba, disfrazado, en fantásticos carruajes y trineos durante la noche.

Con 16 años presenció Lohengrin, y desde entonces mostró un especial entusiasmo por la música de Richard Wagner, convirtiéndose en el mecenas del compositor cuando accedió al trono. El castillo se inspiró en los decorados de sus óperas, basadas a su vez en mitos germánicos. Por ejemplo, Lohengrin es un personaje del ciclo artúrico que viajaba en una barca conducida por un cisne mágico. Neuschwanstein, de hecho, significa el nuevo cisne de piedra. Parzival, padre de Lohengrin y caballero de la Tabla Redonda, constituye la figura central del edificio, puesto que Luis II se identificaba con él. La lucha de este héroe medieval para liberar los pecados y alcanzar el Grial se manifiesta en los diarios del monarca bávaro, muy creyente.

La principal fuente germánica sobre Parzival es la composición de Wolfram von Eschenbach, del siglo XIII, que inspiró también a Wagner su ópera homónima. La novela, basada en la última obra de Chrétien de Troyes, Perceval ou le Conte du Graal, se estructura en 16 libros o bücher. El fragmento superior relata cómo, en el transcurso de un viaje a casa de su madre, el protagonista es acogido por el enfermo Rey Pescador, Amfortas, en su castillo. Durante la cena, se le muestra el Grial. El soberano solo podía recuperar la salud si un caballero preguntaba por el significado del cáliz, pero la cortesía de Parzival le impide hacerlo. Al día siguiente, es expulsado del castillo entre insultos. Años después, regresa y libera a Amfortas de su enfermedad.

Cabe destacar que, en la Sala de los Cantores de Neuschwanstein, se exhibe un cuadro de Wilhelm Hauschild, titulado El milagro del Grial, que representa este episodio del libro de Eschenbach. Parzival, a la derecha, contempla el cáliz ante la atenta mirada de Amfortas, sentado en su trono.

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[1] Tela maravillosa de seda, mejor que el terciopelo.